ENTRETENIMENTO
24/09/2020 10:11 -03

8 filmes do Festival de Toronto para você ficar de olho em 2020

Frances McDormand, Regina King, David Byrne e um bando de cães caçadores de trufas foram as estrelas do festival virtual neste ano.

Illustration: Damon Dahlen/HuffPost; Photos: TIFF/Sony/Searchlight/HBO
Vistos aqui: "Nomadland", "David Byrne's American Utopia", "One Night in Miami" e "The Truffle Hunters".

Um festival de cinema virtual é uma coisa estranha. Sem diretores apresentando seus filmes em auditórios lotados, sem confrontos da indústria, sem impulso tangível para o que teria sido o lançamento de outra temporada de premiação típica.

Aqueles de nós que cobriram o Festival Internacional de Cinema de Toronto na semana passada o fizeram em nossos computadores, transmitindo títulos que, de outra forma, seriam vistos em uma tela grande. Sem a energia de um público, quase parece que o evento não aconteceu.

E ainda assim aconteceu, com 50 filmes na programação em vez dos 300 habituais. Alguns deles já viram a glória, como Bruised, a estreia na direção de Halle Berry, que foi vendida para a Netflix por US$ 20 milhões. Enquanto Nomadland, drama estrelado por Frances McDormand também vencedor do principal prêmio do Festival de Veneza, já gerou algumas das melhores críticas do ano, assim como o filme concerto de Spike Lee, David Byrne’s American Utopia. Mesmo em um ano tão desequilibrado como 2020, a temporada trará consigo uma série de projetos de prestígio para prender nossa atenção.

Dos filmes que vi durante o TIFF, aqui estão oito que valem o seu tempo. (Para sua informação: por algum motivo estranho, Bruised não foi exibido para a imprensa durante o festival, então não pude vê-lo.)

  • "Nomadland"
    Searchlight Pictures
    “Nomadland” é um filme que não dispensa adjetivos. No segundo em que terminou, minha mente estava nadando com eles: lindo, sereno, pictórico, honesto, de partir o coração. Eu poderia continuar, mas você entendeu. Este é um filme tão cheio de emoção que nenhuma palavra pode capturar seu poder. Para seu terceiro longa, a diretora Chloé Zhao escalou Frances McDormand como Fern, uma viúva itinerante que mora em sua van e encontra trabalhos de curta duração em todo o oeste americano (um centro de abastecimento da Amazon, restaurantes, trabalho manual, o que puder). A história de Fern não é única; ela faz parte de uma comunidade de nômades de bom coração, incapazes de sustentar a fantasia da cerca branca do país após a crise financeira de 2008. “Nomadland” a observa enquanto ela se ajusta à vida na selva.

    Os dois primeiros filmes de Zhao, "Songs My Brothers Taught Me" e "Domando o Destino", foram estrelados principalmente por atores não profissionais, estabelecendo-a como uma virtuose que prospera com recursos limitados. Aqui, ela consegue um orçamento maior e uma estrela de cinema, mas ainda mantém a verossimilhança que faz seu trabalho parecer extraído do diário de alguém. McDormand está cercada por artistas de primeira viagem, e o que ela consegue em meio a sua crueza é muito importante em sua já impressionante carreira. Seu rosto envelhecido telegrafa a angústia e a euforia da conexão humana.

    "Nomadland", que se inspira no livro de não-ficção de mesmo nome de Jessica Bruder de 2017, pergunta como um indivíduo pode funcionar quando distanciado das convenções da vida moderna. É muito mais do que uma saga do tipo “Na Natureza Selvagem” sobre um hippie em comunhão com a natureza, embora Zhao aproveite muitas oportunidades para enfatizar o fascínio do ar livre. Este é um estudo de personagens miniaturizado sobre uma população nem sempre legitimada no imaginário americano. É arrebatador. Não tenho certeza se veremos um filme melhor este ano.
  • "One Night in Miami"
    Amazon Studios
    O que aconteceria se fossemos uma mosca na parede podendo escutar pessoas famosas falando com outras pessoas famosas sem o olhar curioso do público. “One Night in Miami”, o longa-metragem de estreia de Regina King na direção, imagina como poderia ter sido um encontro de mentes particularmente elétrico. Na noite de 25 de fevereiro de 1964, Cassius Clay ganhou um campeonato de boxe contra o supostamente invencível Sonny Liston, após o qual Clay (interpretado por Eli Goree) se encontrou com três outros titãs: Malcolm X (Kingsley Ben-Adir) , Sam Cooke (Leslie Odom Jr.) e o zagueiro da NFL Jim Brown (Aldis Hodge). Em meio ao crescente movimento pelos direitos civis, "Miami" mostra os quatro amigos em uma encruzilhada pessoal e profissional, determinados a usar suas posições para o bem, mas sem saber como seguir em frente como figuras de proa de uma era tão crítica na história americana.

    Kemp Powers adaptou “One Night in Miami” de sua peça de 2013 com o mesmo nome. Mesmo que o ritmo do diálogo não possa escapar de suas raízes teatrais, os dilemas filosóficos deste quarteto valem a pena a lente de King. O coração do filme é uma conversa espinhosa e desconexa sobre raça, religião e controle cultural. (“Carregar o mundo nos ombros é ruim para a saúde”, Cooke diz a Malcolm X.) O que significa lutar pela igualdade quando poucos concordam sobre como alcançá-la? E o fardo da fama - viver de acordo com uma imagem simbólica atribuída por apoiadores e detratores - transforma uma pessoa em um oroboro que perde constantemente seu senso de identidade? King minimiza qualquer floreio estilístico para deixar seus atores brilharem, especialmente Ben-Adir, que captura o intelecto de Malcolm X com uma sábia mistura de charme e fúria. Que noite, de fato.
  • "David Byrne's American Utopia"
    HBO
    O número de abertura do recente show de David Byrne na Broadway, "American Utopia", é sobre quanto do cérebro humano fica sem uso, um sentimento adequado dado o quão burra a América tem parecido nos últimos anos. Entre clássicos do Talking Heads e músicas de seu recente álbum solo, Byrne fala sobre as forças que entorpeceram a civilização, especificamente a falta de vontade de acolher as perspectivas dos outros. Seus monólogos são curtos e poéticos, políticos, mas não enfadonhos. Eles complementam suas vistas musicais suaves, durante as quais Byrne se envolve com 11 dançarinos e instrumentistas cujos movimentos formam um coro que representa o melhor que as pessoas podem fazer quando operam em comunidade.

    Spike Lee dirige esta versão filmada de “American Utopia” com brio. Sua câmera gira em torno do movimento dos artistas, cortando entre close-ups e tomadas amplas que acentuam a coreografia nítida. Um brilho azul que funciona como o refletor do palco dá ao filme uma sensação envolvente, como se estivéssemos a par do funcionamento mais profundo da mente de um artista. Byrne é igualitário, deixando cada membro de sua trupe florescer e, assim, enfatizando sua mensagem sobre a experiência humana compartilhada. Com a ajuda de Lee, ele criou um dos melhores filmes de concertos de todos os tempos - um deleite para fãs de longa data e novatos.
  • "The Truffle Hunters"
    Sony Pictures Classics
    Depois de estrear em Sundance em janeiro, “The Truffle Hunters” está ganhando força ao fazer as rondas de festivais de outono (no hemisfério norte). O adorável documentário de Michael Dweck e Gregory Kershaw segue um punhado de antigos escavadores de trufas - humanos e também seus cães treinados, que fazem a maior parte da caça real - no norte da Itália. Superficialmente, o filme retrata um nicho de negócios através dos olhos de poucos selecionados. Mas o que está realmente em exibição é um estilo de vida, especificamente aquele que gira em torno do vínculo entre canino e humano. Com uma cinematografia exuberante e um compromisso com a folk que seus temas representam, “The Truffle Hunters” é simplesmente uma delícia.
  • "Shiva Baby"
    Courtesy of TIFF
    “Você se parece com Gwyneth Paltrow usando vale-refeição”, diz a mãe de Danielle (Polly Draper). Eles estão participando de uma shiva, mas Danielle (Rachel Sennott) nem consegue se lembrar quem morreu. Ela é uma estudante ligeiramente confusa, cansada de perguntas sobre o que fará após a formatura e com quem está namorando. Já incomodada por parentes intrometidos, Danielle encontra entre os enlutados duas pessoas que ela preferia não ter encontrado: uma ex-amiga do colégio (Molly Gordon) e o homem rico (Danny Deferrari) que a paga por sexo, apesar de chegar com sua esposa (Dianna Agron) e recém-nascido. Ao longo de 77 minutos tensos, “Shiva Baby” vai de uma comédia assustadora a um psicodrama arrepiante e vice-versa.

    Emma Seligman expandiu “Baby” de um curta-metragem que ela fez na New York University. Mesmo com um tempo de execução tão acessível, Seligman evita por pouco esticar a premissa até seu ponto de ruptura. E, no entanto, a sagacidade mordaz do filme mantém tudo à tona. À medida que Danielle se preocupa com um incômodo após o outro, a casa da shivá torna-se cada vez mais claustrofóbica, muito parecido com o estado mental de qualquer pessoa de 20 e poucos anos esperando a suposta autorrealização da idade adulta. “Shiva Baby” anuncia um novo talento brilhante em Seligman, que entende como misturar humor maluco com profundezas sobre o que significa descobrir a si mesmo.
  • "Concrete Cowboy"
    Courtesy of TIFF
    “Concrete Cowboy” dá ao filme de amadurecimento um novo personagem: o caubói urbano. Quando o adolescente da urbana Detroit Cole (Caleb McLaughlin de "Stranger Things") é expulso da escola e enviado para viver com seu pai meio afastado, Harp (Idris Elba) na Filadélfia, ele se vê atraído pela comunidade de cavalariços com quem seu pai chama de lar. Harp os chama de “órfãos cowboy”, os últimos de uma raça em declínio que tenta manter seu senso de localização enquanto os desenvolvedores buscam gentrificar a terra que ocupam.

    Adaptado de um romance de 2011 de Greg Neri, “Concrete Cowboy” é uma estreia delicada e segura para o diretor Ricky Staub. Justapondo a areia interurbana com o opulento céu laranja, Staub tem a mão de um maestro do jazz, conduzindo o filme com facilidade. Algumas subtramas - particularmente uma envolvendo o primo de Cole (Jharrel Jerome), que está envolvido em uma quadrilha de drogas clichê do bairro - são mal desenvolvidas, mas o drama pai-filho central é representado com maestria. O cansaço da boca de mármore de Elba e os olhos suplicantes de McLaughlin complementam a busca de seus personagens por uma companhia que nem sabia que precisava.
  • "Summer of 85"
    Courtesy of TIFF
    Este romance à beira-mar tem tons de "Garotos de Programa" e "Me Chame Pelo seu Nome", aplicando seu olhar suntuoso, mas não intrusivo, a dois adolescentes franceses enquanto eles embarcam em uma aventura. Quando o jovem escritor Alexis (Félix Lefebvre) vira seu veleiro uma tarde, ele é resgatado por um arrojado e enigmático jovem (Benjamin Voisin) que rapidamente se torna seu primeiro amor. O sempre sensual diretor François Ozon (“8 Mulheres”, “Swimming Pool - À Beira da Piscina”) deixa claro desde o início que seu namoro está condenado, dando ao filme uma emocionante sensação de perigo. As metáforas de Ozon ficam um pouco pesadas, mas "Summer of 85" é eficaz, no entanto, desdobrando-se mais como uma peça de memória do que um encantamento da maioridade.
  • "Ammonite"
    NEON
    Chamar um romance lésbico de “frio” pode parecer preguiçoso e redutor. As pessoas aplicaram esse pejorativo a “Carol”, “Desobediência” e “Retrato de uma Mulher em chamas”, e estavam erradas em todas as acusações. “Ammonite”, por outro lado, não tem a mesma centelha. Os céus cinzentos da Inglaterra e o ritmo lento estão propositalmente se distanciando, fazendo tudo que podem para sublinhar a repressão dos personagens principais. Mesmo quando a paleontóloga Mary Anning (Kate Winslet) finalmente pula na cama com sua admiradora melancólica Charlotte (Saoirse Ronan), o filme ambientado na década de 1840 não consegue nos convencer de que seu afeto carrega muita eletricidade.

    Ainda assim, “Ammonite” dificilmente é um fracasso. Intelectuais frios são uma das especialidades de Winslet, e ela se destaca em uma atuação que provavelmente chamará a atenção do Oscar. (Sério, quem poderia ignorar um elenco tão incrível? Fiona Shaw, Gemma Jones e James McCardle desempenham papéis coadjuvantes vitais.) Por mais pesado que o filme possa ser, a diretora Frances Lee, que fez o tema similar "O País de Deus", constrói em direção a um desfecho que neutraliza parte da inércia anterior. Resumindo, Lee escolheu contar uma história não sobre sexo ardente, mas sobre a determinação de uma mulher em abafar seu próprio contentamento. Não produz os resultados mais emocionantes, mas talvez esteja tudo bem.
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